2023（圖/郎亞玲攝影）
文 /郎亞玲
半世紀的專注投入，半世紀的辛勤耕耘，也許有許多藝術家認為自己也是如此，但成就卻未能與之比擬。「莊普」這個藝術界響亮的名字，永遠站在當代藝術的第一線，每一次的展覽無論大小，都令人期待，每一回的作品回顧，都會再度被挖掘出新的啟示。 累積了不知凡幾的大小展出，即便此次號稱是最大型的個展，莊普也輕描淡寫，認為空間大不是問題，自己仍有無限的發揮空間。
＜越野的靈光：莊普個展＞這項展出，無論是對國美館或莊普個人而言，最特殊的意義是在於台灣美術史上的定位，在國美館以「重建臺灣藝術史」目標的大麾之下，這個個展以「典範式」的規劃執行，提供了臺灣美術史1980年代後的臺灣當代藝術之美學切面。展示空間涵蓋1樓，2樓共八個展間與美術街；100多個作品不僅呈現了莊普完整的創作歷程，更難能可貴的，他在六個月之間，也同步完成了10餘件的新作，其中更包含了為國美館創作的現地製作＜即刻峇里島＞，這類似「進行式」的展示，不僅帶來驚喜，更讓參觀者當場領受藝術和生活環境的緊密關聯。
莊普(1947-)出生於上海，成長於台灣，自小愛畫畫，不顧家長反對，堅持藝術之路。畢業於西班牙馬德里大學，受西方現代藝術思潮影響，醞釀顛覆傳統古典主義美學。80年代返臺後，為實踐個人藝術理念，開始全心投入實驗性創作。1984 年獲得臺北市立美術館「中國現代繪畫新展望臺北市長獎」，為臺灣美術史第一次官方認可前衛藝術、觀念藝術、抽象繪畫的獎項。
受到低限主義（Minimalism）的影響，他的平面作品重視直線精確，嚴謹，秩序，重複的畫面構成，但不同於俄國藝術家馬列維奇的黑色調，他的色彩活潑，多元，繽紛，使直線運用的形式綴以感性的抒發，蘊含東方美學的詩意。他最著名的是，以一公分見方的圖章逐一按在畫布上，反覆蓋印的過程，漸漸堆疊成色彩豐富的層次，讓時間之流不僅留下自身的存在「印記」，也呼應著生生不息的宇宙本體，廓然大公，平等相待。
從一個小小的方格子，到不計其數的方格子，每一個畫面，都是莊普一絲不苟，日積月累的成果。他的裝置作品更加自由，打破蘊含的邏輯與秩序，讓各種物件、材料，重新開展布局，創造材質彼此對話的空間，並凝聚能量，感受心靈與材質邂逅的旅程，碰撞出生命的激盪與可能。莊普創作的兩個路徑，一像是「順行」（從藝術家自身出發）；一像是「逆反」（從客觀物件出發），策展人石瑞仁解釋，前者以平面繪畫形式表現藝術家的所思所想，即感受藝術家的「畫語」─平面作品視覺上的空間感或抽象詩意的表達。後者運用藝術轉化現成物的生活功能，為材料開創個別的情境，是一種「物語」。
莊普曾參與 SOCA 現代藝術工作室，與伊通公園等藝術空間的創立，並和亦師亦友的林壽宇，共同積極探索藝術實驗性。他認為和前輩、同儕、年輕一代藝術創作者的相遇，所陪伴的不只是生活，更重要者在學院外的觀念的教學相長與新觀念衝擊。莊普於2019年獲得國家文藝獎時表示他生逢其時，除了那個時代的開放性外，藝術家們、美術館與替代空間等共同打造臺灣當代藝術的美學光景，讓他能如魚得水，持續創作至今。
綜觀本次展覽呈現莊普對多種媒材的美學運用，包括水泥、木材與金屬，如大型木作裝置＜在遼闊的打呼聲中＞，可與觀眾互動的〈召喚神話〉，記錄時代事件的〈1997紀念碑〉，多重幾何的簡約雕塑〈來去自如遨遊四方〉，以及莊普為人所認識的章格繪畫等作品，橫跨40年的創作歷程其作品於國內外各大美術館及畫廊展出及收藏，2019年榮獲國家文藝獎，為臺灣當代藝術代表人物之一。